Luas e Águas | Moons and Waters
texto publicado por ocasião da exposição colectiva Luas e Águas, Catarina Lopes Vicente, Clarice Cunha, Dalila Gonçalves, Izumi Ueda Yuu, Jaime Fernandes, Joana Garrido
text published for the group exhibition Moons and Waters, Catarina Lopes Vicente, Clarice Cunha, Dalila Gonçalves, Izumi Ueda Yuu, Jaime Fernandes, Joana Garrido
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"Olhar para o céu como um guia não é nada de novo. Há planetas, estrelas, asteróides, cometas, meteoróides, satélites naturais. Há o que se sabe e o que se desconhece; há a luz e há escuridão; buracos negros, supernovas, galáxias. Há pássaros e espinhas de peixe; sapatos, meias, luvas e roupa interior; texturas, padrões, esponjas e sabão azul; pedras e terra; linhas e uma vaca que se coça na penumbra. E, por entre estes elementos, desenhou-se uma constelação a que chamamos “Luas e águas”, um projecto em formato de exposição que se materializa nas obras de Catarina Lopes Vicente, Clarice Cunha, Dalila Gonçalves, Izumi Ueda Yuu, Jaime Fernandes e Joana Garrido.
Da mesma maneira que não sabemos a razão exacta para o posicionamento de uma estrela ou de uma lua, o atlas de artistas que compõem este projecto resulta de acontecimentos inesperados e improváveis, que nos conduziam a sucessivas reflexões para onde quer que fôssemos: para o atelier, para a rua, para um café, para a Vandoma. Conversamos sobre o desconhecido, que vive tanto em cima, como em baixo. Olhamos para a lua—que não é a mesma coisa que ter lá a cabeça—e imaginamos os mares da sua superfície, que são, na verdade, um chão cinzento, pedregoso, revolto pela lava solidificada e cheio de transformações. E, cá em baixo, as águas, elemento maior do que nós, por sermos nós ela também. As águas escuras do mar são tão ou mais desconhecidas do que o céu. E o chão do Sismógrafo, outrora vermelho, tal como o centro da lua, transformou-se em superfície lunar. É a partir deste chão que as peças se apresentam. Mas o propósito desta selecção de trabalhos não é o de nos levar a um qualquer cenário espacial ou de ficção científica. Não. Muito pelo contrário, o que se propõe é pensar o fazer no mundo, no quotidiano, na vida e até na morte. Trata-se também de cumplicidades e afinidades entre pares. O trabalho de Izumi Ueda Yuu diz-nos isso mesmo. Sapatos de Caligrafista, obra moldada em papel japonês Kozo, é, como a própria artista nos diz, dedicada a quem "segura um pincel e desenha uma linha". Izumi sentiu-se atraída por esta forma quando se deparou com a tradição de calçar os mortos com sapatos de papel, antes de serem cremados. Daí em diante, esculpiu centenas de sapatos, num impulso para o qual não encontra explicação. São fortes e simultaneamente frágeis, carregados de uma força anímica que se transporta também para a gravura Próximo da Pele, onde a indumentária, tão ligada ao nosso quotidiano, ganha igual intensidade. As obras de Catarina Lopes Vicente constroem-se de gestos, manobras, tempos e processos. Condensam um vasto atlas de formas anónimas e objetos, que migram para desenhos, linhas e blocos de cor. São monotipias, simultaneamente planas e tridimensionais, profundamente escultóricas. A relação com o papel é muito maior do que o olho percepciona à primeira instância: estes desenhos dão espaço ao enigma. A relação de Clarice Cunha com os objetos é de uma outra dimensão: reúne-os, cataloga-os e constrói-os. Permeadas por uma intuição declarada e um fascínio pelas texturas e materiais, as suas esculturas reflectem sobre a interferência humana no mundo. Composições feitas de elementos que imitam e dos próprios originais, todas revelam o consumo irreflectido do presente e as suas consequências: nas ruas da cidade, florestas, praias, montanhas e em todos os que nelas habitam. É o caso de Monumental descartável (Natural gemstones) ou das peças do projecto Cinquenta ações para um período de isolamento social, criadas num momento em que a noção de comunidade parecia remota e a precisar de ser reescrita. O Pico da Noite é o título da série que integra as duas fotografias que Joana Garrido apresenta em Luas e águas. Fruto de uma das suas muitas expedições exploratórias, em que a câmara é uma extensão do braço da artista, as imagens chegam do reflexo e do olho sensível. Fotografias nocturnas, carregam uma aura que só a penumbra proporciona, trazendo para a exposição o gesto e o corpo dos mais-que-humanos; uma vaca, apanhada no instante em que se coçava, lembra-nos o sublime nos momentos mais fugazes. A outra imagem abre-se à interpretação: o que brilha por detrás das rochas? Uma linha, uma bengala? Dalila Gonçalves convida-nos a pensar o corpo, a partir de dentro. Suspensos por um fio de ouro, pendem dois dentes. Recorda-nos a infância, quando dos dentes de leite se faziam adornos de ouro. Uma memória do crescimento que se despegou do corpo, mas que a ele se mantém próxima. Com o nome Pós Juízo, a peça constitui-se por um dente de leite e outro do siso. Como uma balança, pesa mais o que condensa a razão. Dalila apresenta, ainda, dois longos corpos de peixe, esqueletos feitos de porcas borboleta (que, por força da nomenclatura das partes que o compõem, evocam uma profusão animal ainda maior). Estes longos animais aquáticos, metalizados, estão suspensos do tecto, paralelos. E a sua disposição, um de cabeça para cima e outro de cabeça para baixo, remete-nos para um círculo contínuo de reformulação e metamorfose, sublinhado pela componente aquática, própria do habitat natural, onde se pesca e se é pescado, numa acção síncrona de presa e predador. E por fim chegamos aos desenhos de Jaime Fernandes. Começou a desenhar aos 66 anos, quatro anos antes da sua morte, em 1969. Nunca expôs em vida e, do que se sabe, tampouco conviveu com artistas. A sua vida foi permeada pelo trabalho rural ao lado de Evangelina, sua esposa, até ser internado no Hospital Miguel Bombarda, em Lisboa, onde passou o resto da vida, mais de três décadas. Inesperadamente, a urgência de desenhar insurge, dando uso aos poucos recursos que tinha para o fazer: esferográfica, marcador e papel. No seu imaginário habitavam animais, figuras humanas ou antropomórficas. Saiam-lhe das mãos muitos pássaros. Talvez fosse uma forma de lançar a liberdade que não tinha, pela enclausura do panóptico. Os homens-vigia, sempre presentes, também aparecem nos seus desenhos, trazendo-o à realidade do chão. “Morrereis como estes retratos”, dizia. E, nesta exposição, apresentam-se três desenhos onde o animal prevalece. Dos olhos, poderíamos dizer humanos, não fosse isso retirar força ao reduzi-los aos nossos. Nesta espécie de cosmovisão, cada trabalho contribui com perspectivas distintas, que em momentos se tocam e noutros se afastam. Uma narrativa em abismo, feita de realidades sobrepostas, cruzadas ou intersectadas. O título, encontramo-lo nas palavras de Sophia de Mello Breyner, quando escrevia a Teixeira de Pascoaes. Há, nesta exposição, a mesma admiração que encontramos entre estes poetas. E porque os elementos serão sempre maiores do que nós, vemos no fazer destas pessoas, como nos diz Sophia, o mesmo puro emergir: luas e águas." Hernâni Reis Baptista, João Pedro Trindade e Rita Senra, 2022 |
"Looking at the sky for guidance is nothing new. There are planets, stars, asteroids, comets, meteoroids, natural satellites. There is what is known and what is unknown; there is light and there is dark; black holes, supernovas, galaxies. There are birds and fish bones; shoes, socks and undergarments; textures, patterns, sponges and blue soap; stones and soil; lines and a cow scratching its head in the twilight. And through these elements, a constellation was drawn that we call Moons and Waters, a project in exhibition format that is materialised in the works of Catarina Lopes Vicente, Clarice Cunha, Dalila Gonçalves, Izumi Ueda Yuu, Jaime Fernandes and Joana Garrido.
In the same way that we don't know the exact reason for the positioning of a star or a moon, the atlas of artists that make up this project results from a succession of more or less improbable events, which led us to continued reflections wherever we went: at the studio, in the streets, in a café, on a trip to Vandoma. We talked about the unknown, which dwells both above and below. We look at the moon—which is not the same thing as having our head up there—and we imagine the lunar seas on the surface, which are in fact a grey, stony ground, swirling with solidified lava and full of transformations. And down here the waters, an element greater than we are, for we are it too. The dark seawaters are as unknown as the sky, or even more so. And it is from the floor of Sismógrafo that the pieces present themselves; a floor now grey, recycled like the moon, which was once red, as was the centre of the moon. But the purpose of this selection of works is not to take us to some space or science fiction scenario. No. Quite the contrary, this selection proposes to think about the making in the world, in everyday life and even in death. It is also about complicities, because we are talking about peers. The work of Izumi Ueda Yuu says so. The Calligrapher's Shoes is, as she herself tells us, dedicated to those who "holds a brush and draws a line". Moulded in Japanese Kozo paper, Izumi was initially attracted to this form when she came across the tradition of shoeing the dead in paper shoes to be cremated. From then on, she sculpted hundreds of shoes, an impulse she can't exactly explain. They are strong and at the same time fragile, charged with a soul force that is also carried to the engraving Close to the Skin, where garments, so linked to our daily life, gain equal intensity. The works of Catarina Lopes Vicente are made up of gestures, manoeuvres, times and processes. They condense within themselves a vast atlas made of objects and forms anonymous to us, which are subtracted into drawings, lines and blocks of colour. They give space to the enigma, at the same time implying that the relationship with the paper is much greater than what the eye perceives at first instance. They are monotypes, simultaneously flat and three-dimensional, deeply sculptural. Clarice Cunha's relationship with objects is of another dimension: she gathers them, catalogues them and constructs them. Permeated by a declared intuition and a fascination for textures and materials, she composes sculptures that reflect on human interference in the world. Compositions made of elements that imitate, others original, all reveal the thoughtless consumption of the present and its consequences: in the city streets, forests, beaches, mountains and in those who inhabit them. This is the case of Monumental descartável (Natural gemstones), or the pieces from the project Cinquenta ações para um período de isolamento social, created at a time when the notion of community seemed remote and rewritten. The Peak of Night is the title of the series that comprises the two photographs that Joana Garrido presents in Moons and waters. Result of one of her many exploratory expeditions, the camera is an extension of her arm and the images come from the reflection and the sensitive eye. Photographed at night, they carry the aura that only dimness provides, bringing to the exhibition the gesture and the body of the more-than-human; a cow caught in the instant in which it was scratching itself, reminds us of the sublime in the most fleeting moments. And the other image, which opens us to interpretation: a line that glimmers behind the rocks; could it be a walking stick? Dalila Gonçalves invites us to think about the body from the inside. Suspended by a gold thread, hang two teeth. It remind us of childhood when gold ornaments were made from milk teeth. A memory of growth that has been detached from the body but remains close to it. The piece, with the name Post Judgement, is made up of a milk tooth and another wisdom tooth. Like a scale, the one that condenses reason weighs more. It also presents two long fish bodies, skeletons made of butterfly nuts (which, by the nameclature of the parts that compose it, brings to this representation an even greater animal profusion). These long, metallic aquatic animals are suspended from the ceiling, parallel to each other. And the arrangement of the two, one upwards and the other downwards, takes us back to a continuous circle of reformulation and metamorphosis, underlined by the aquatic component, proper to the natural habitat, where one fishes and is fished, in a synchronous action of prey and predator. And finally we come to the drawings of Jaime Fernandes. He started drawing at the age of 66, four years before his death in 1969. He never exhibited during his lifetime and, as far as is known, he never socialised with artists. His life was permeated by rural work alongside Evangelina, his wife, until he was admitted to the Miguel Bombarda Hospital in Lisbon, where he spent the rest of his life for over three decades. Unexpectedly, the urge to draw arose, making use of the few resources he had to do so: ballpoint pen, marker and paper. But nothing seemed to indicate that the goal was not fulfilled. Animals, human or anthropomorphic figures lived in his imagination. Many birds came out of his hands. Perhaps it was a way of launching the freedom that he did not have, through the enclosure of the panopticon. The watchmen, always present, also appear in his drawings, bringing him to the reality of the ground. "You will die like these portraits", he used to say. And this exhibition presents three drawings where the animal prevails. From the eyes, they could be said to be human, but the strength would be taken away by reducing them to ours. In this kind of cosmovision, each of these works contributes with distinct perspectives, which at times touch or move apart. A narrative in abyss, made by overlapping, crossed or intersected realities. We find the title of the exhibition in the words of Sophia de Mello Breyner, writing to Teixeira de Pascoaes. The loan made sense to us, because we find in the practice of our peers the admiration that can be seen between these poets. And because the elements will always be greater than us, we see in the making of these people, as Sophia tells us, the same pure emergence: moons and waters." Hernâni Reis Baptista, João Pedro Trindade e Rita Senra, 2022 |